Le Musée du Louvre, à l'occasion du centenaire du Maître de "l'outrenoir", a choisi de l'honorer en lui offrant pour quelques semaines l'écrin prestigieux du Salon Carré, là même où au XVIIIe siècle les membres de l'Académie Royale de peinture et de sculpture présentaient leurs œuvres au public.

Il ne s'agit pas d'une grande rétrospective car n'y sont accrochées qu'une vingtaine de toiles, mais d'un hommage sous la forme d'une présentation chronologique d’œuvres marquant les étapes dans la démarche de l'artiste, depuis les entrelacs tourmentés du début jusqu'aux calmes polyptyques récents où le noir a définitivement englouti les derniers îlots de blanc.

Dans la salle, que des groupes de visiteurs traversent en un flot ininterrompu, quelques amoureux de Soulages méditent devant les tableaux tandis que, pandémie oblige, des touristes asiatiques passent en nombre, portant un masque blanc sur le visage.

Sortant de l'éblouissante Galerie d'Apollon voisine, récemment ré-ouverte au public, beaucoup ont encore dans les yeux le scintillement aveuglant des diamants de la Couronne. Ils paraissent surpris, pénétrant dans cet espace blanc,  par le puissant contraste qui y règne avec les sombres toiles exposées.

Certains visiteurs s'immobilisent un instant pour photographier les ors et les stucs du somptueux plafond puis, rejoignant le fanion agité par leur guide, s'engagent d'un pas résolu dans la Grande Galerie pour y passer en revue les peintres italiens des XIVe - XVIe siècles. 

Ils n'ont que peu de temps pour parcourir les "must" de l'immense musée, car il restera ensuite la Tour Eiffel, Montmartre et pour finir une soirée au Moulin Rouge ...

Savent-ils, ces visiteurs, que l'artiste qui a peint ces toiles est un très vieux monsieur ? Il a l'âge des vieux chênes dont les bras noueux s'entremêlent comme le font, dans ses premières œuvres, les traces épaisses laissées par le passage de la brosse.

Ont-ils conscience que, de même que les planches disjointes d'une très ancienne palissade permettent au passant d’apercevoir le jardin secret qu'elles enserrent, ces grands coups de brosse dévoilent dans leurs interstices des paysages oniriques ?

N'ont-ils pas remarqué que, de même que l'eau vive d'un torrent laisse transparaître le lit qu'elle recouvre, des teintes ensevelies éclairent parfois les noires coulées  qui les submergent ?

De même que les mers chaudes laissent éclater la nuit d'étranges phosphorescences, ne se sont-ils pas étonnés que ce noir qui semblait de loin si lisse charriait en fait des éclats de lumière, qu'il était labouré de sillons, d'entailles, de cicatrices, de récifs, d'amers et que la matière s'y déversait parfois en cataractes ?

N'ont-ils pas vu enfin que ce noir était lumière, que, à l'image de la Méditerranée que le peintre contemple du haut de sa demeure sétoise, il change constamment, sans cesse "recommencé", selon l'angle par lequel on l'aborde ou l'avancement du jour, qu'il vibre comme le fait la mer par temps calme ?

Certains ne verront dans l'oeuvre de Soulages qu'une recherche systématique, quasi scientifique, une vie durant, des réflexions de la lumière sur une surface noire.

En ce qui me concerne, ses dernières œuvres, les grands polyptyques, me font inévitablement penser à des paysages marins nocturnes, quand tout est tranquille et que seul est perceptible le souffle de la mer. L'agitation que l'on constate au plus près de la toile cède la place, avec un peu de recul, à une grande sérénité.

Textures lisses et zones striées alternent dans ces tableaux qu'inonde une "obscure clarté". Le parallélisme des lignes, que des débordements de matière font paraître frangées d'écume,  me rappelle les ondes qu'une mer d'un noir profond pousse avec une régularité de métronome sur le sable d'un rivage qui parait gris sous l'éclat lunaire. 

Peut-être après tout que le Maître qui, dans la pure tradition japonaise, place un galet noué à la porte de son atelier pour signifier qu'il n'entend pas être dérangé pendant son travail, a ressenti cette même impression en contemplant un tableau qu'il venait tout juste d'achever ?

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Les expositions à la Fondation Vuitton à Paris

sont toujours des événements majeurs.

La dernière en date,

inaugurée au tout début du mois d'Octobre

ne déroge pas à la règle :

Le Monde Nouveau 

de Charlotte Perriand

Un hommage appuyé au génie créatif de cette architecte

et designer, disparue il y a tout juste vingt ans

qui, longtemps restée dans l'ombre de son mentor

Le Corbusier

a marqué de son empreinte le design contemporain.

Entre la conception de la célèbre chaise-longue basculante

de 1928 et les réalisations de la station alpine des Arcs, en Savoie,

en passant par la fertile période japonaise,

son parcours dans l'exposition est rehaussé par la présence

de quelques deux cents œuvres des artistes majeurs

avec lesquels elle entretenait des liens privilégiés.

Un superbe écrin qui met en valeur  les créations 

avant-gardistes d'une femme militante et humaniste 

qui entendait placer la Nature au cœur de ses réalisations.

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Il a illustré tant de poètes.

Ses œuvres elles-mêmes sont des poèmes.

On a parfois parlé à leur sujet d'abstraction lyrique.

Zao Wou-Ki invite le spectateur à s'immerger dans ses toiles,

à se laisser porter, à méditer, à s'y perdre.

Peu d’œuvres ont un nom, juste des dates.

L'une d'entre elles pourtant résume bien le propos :

'Traversée des Apparences'

Pas moyen de se raccrocher au réel.

On laisse flotter son imagination, on s'évade, on rêve.

Pour ma part, ses toiles, les bleues surtout,

me poussent vers de lointains rivages.

Son pinceau se fait houle, se fait ressac.

Les mille gouttelettes de peinture sont autant d'explosions d'écume

quand la mer vient se briser sur les rochers. 

Le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris présente actuellement et jusqu'au 6 Janvier 2019 une exposition consacrée aux grands formats de l'artiste :

'l'Espace est silence'

reprenant l'expression que son ami le poète Henri Michaux employa au sujet de son œuvre.

La vidéo qui suit est le fruit d'une visite de cette très belle exposition.

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Il a peint le rideau de scène de l'Opéra Bastille et décoré en bleu Giotto le plafond de la salle des bronzes du Musée du Louvre.

Le Centre Pompidou à Paris lui consacre actuellement une remarquable rétrospective.

Cy Twombly, artiste américain inclassable, disparu en Juillet 2011, occupe désormais une place de tout premier plan dans l'art contemporain.

Moins de monde évidemment qu'à la rétrospective Magritte voisine, car plus difficilement "appréhendable" pour qui n'est pas préparé à une immersion totale et sensuelle dans une oeuvre de sensation et non d'illustration.

Une oeuvre organique, turbulente, solaire, à l'énergie animale, truffée de griffonnages, de crayonnages, de taches, d'éclaboussures, de coulures, de citations souvent indéchiffrables que le peintre, à l'immense culture classique, a noyé sous des couches et des sous-couches d'un blanc laiteux.

'Fifty Days at Iliam - Shield of Achilles (part I)' -  1978 - crayon à huile, mine de plomb

Cy - cet étrange prénom lui avait été donné par son père, fervent admirateur d'un joueur de base-ball surnommé 'Cyclone' - conversait en latin avec sa soeur à la table paternelle. 

Ses toiles se réfèrent à l'Egypte ancienne, aux mythologies grecques, à la Rome antique.

Il cite Goethe, Homère, Mallarmé, Virgile, aussi bien qu'un mystique persan du 18ème siècle.

Natif du Sud, comme Jasper Johns, très proche ami de Rauschenberg, son oeuvre s'éloignera pourtant radicalement de celles des artistes de sa génération.

Amoureux fou de l'Italie où, à partir de 1957, il résidera en alternance avec les Etats-Unis, il y produira ses oeuvres les plus fulgurantes.

L'exposition, la première d'une telle ampleur, couvre la totalité de l'oeuvre de Cy Twombly, depuis les gris et les noirs des aventures marocaines du début, jusqu'aux explosions colorées des grands formats juste avant sa mort.

Sans titre (Lexington) - 1951 - peinture industrielle sur toile

'Blooming' - 2001-2008 - acrylique sur panneau de bois

La rétrospective est axée sur trois cycles majeurs :

.  Nine Discourses on Commodus (1963), reliant la fin tragique de l'empereur romain  Commode à l'assassinat du Président Kennedy.

.  Fifty Days at Iliam (1978), immersion dans l'atrocité des guerres antiques.

.  Coronation of Sesostris (2000), évoquant la course du char solaire menant tout pharaon  vers l'au-delà.

'Coronation of Sesostris (part V)' - 2000 - acrylique, crayon à la cire, mine de plomb

Elle inclut également des sculptures et des photographies de l'artiste, se clôt avec l'ivresse finale des grandes circonvolutions éclatantes, et bien sûr l'immense toile aux pivoines rouge vif dégoulinantes, évocatrices de haïkus japonais.

'Blooming' - 2001-2008 - acrylique et crayon à la cire

J'avoue, pour ma part, avoir un faible pour une série de quatre grandes toiles, peintes de 1993 à 1995, rappelant la fuite inexorable du temps et le cycle perpétuel de mort et de résurrection, les Quatre Saisons, 'Quattro Stagioni' réalisées dans la résidence de l'artiste à Bassano in Teverina, au Nord de Rome.

Il existe deux versions de cette série, pratiquement identiques, l'une, celle de la Tate Gallery à Londres est celle présentée à Paris, l'autre est au MoMa à New-York.

'Quattro Stagioni' 1993-1995 - acrylique, huile, crayon de couleur, mine graphite

'Primavera', le Printemps, couleur sang, évoque la naissance, le commencement, l'éveil érotique. On y retrouve la barque solaire du Dieu Ra dont la course s'affirme en s'élevant dans la toile jusqu'à se fondre dans l'astre éclatant. On y voit également une étrange marque sombre, informe, qui perdurera à travers l'oeuvre jusqu'à prendre une dimension inquiétante dans le dernier tableau.

'Estate', c'est la lumière crue, aveuglante, de l'été, comme une tache rétinienne, qui noie les perceptions, dissout et coule toutes choses dans le blanc où se dilue, jaune sur blanc, la mémoire de l'amour.

'Autunno' est en fait le premier tableau de la série peint par l'artiste qui jouissait du spectacle des vendanges à Bassano in Teverina. Les couleurs sont roses, mauves, lie de vin, bronze, couleurs des feuilles pourrissantes, ultime explosion, bouquet final avant la disparition programmée qu'annonce la tache sombre devenue centrale..

'Inverno', l'hiver, c'est l'aboutissement, la toile sans doute la plus accomplie de cette série mélancolique. Les couleurs sont le jaune, le vert pin, le noir, le gris, le blanc mortel. Les coulures évoquent la neige, les coups de brosse le vent, les craquelures le gel. On ressent le froid, l'absence, le vide, et la tache sombre est là qui semble nous entraîner inexorablement hors du cadre.

Et partout, et toujours, des mots, des citations, des phrases, des fragments de poèmes.

La plupart du temps on les distingue à peine, comme s'ils étaient prisonniers d'une soudaine glaciation, enfouis au plus profond de l'épaisse couche picturale, messages engloutis dont on pressent vaguement qu'ils finiront par affleurer en des temps éloignés.

'Summer Madness' 1990 - acrylique, huile, crayon de couleur, mine de plomb

Roland Barthes, dans un texte majeur, préliminaire au premier catalogue raisonné de l'oeuvre de Cy Twombly publié en 1979 à l'initiative de son galeriste Yvon Lambert, avait cité Chateaubriand à propos des écritures de l'artiste :

"On déterre dans des îles de Norvège quelques urnes gravées de caractères indéchiffrables. A qui appartiennent ces cendres ? Les vents n'en savent rien."

A présent, les barques rouges de l'Egypte ancienne ont emporté les secrets d'écriture de celui que l'armée américaine avait affecté un temps au service de cryptographie, mais qui, selon ses propres dires, était un peu trop "vague" pour être un bon déchiffreur.

Le diaporama qui suit consiste en une succession de gros plans saisis au cours de ma visite de l'exposition.

Une descente en apnée au coeur des oeuvres, qui dévoile un univers torturé, abyssal, évocateur parfois de calligraphie orientale et parfois de profondeurs marines ou d'intimités organiques, chirurgicales.

On y perçoit les coups de pinceau rageurs, la densité du trait, les éclaboussures, les griffonnages, les explosions de couleurs, les coulures (la toile était quelquefois peinte à plat, puis redressée pour laisser les couleurs s'écouler à leur gré).

On y ressent surtout le corps-à-corps violent avec le support d'un artiste qui allait jusqu'à écraser le tube sur la toile ou à étaler la couleur avec la paume de la main.

Une intrusion dans l'oeuvre de celui qui côtoyait l'Olympe, quelque part entre les fresques pompeïennes et les 'graffiti' de Jean Michel Basquiat ou de Keith Haring, et qui restera l'un des plus grands maîtres de notre temps.

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Chanson du photographe partageur,

amateur d'Art Contemporain

"Je m'en revenais de la FIAC

Avec des photos plein mon sac.

Je me dis alors tout à trac

Quitte à les présenter en vrac

Qu'il serait peut-être opportun

D'en faire bénéficier chacun.

(bis)

Mais n'en déplaise aux attaques

De ce méli-mélo foutraque

Qui pourrait sembler bien maniaque

Je réponds sans être élégiaque

Qu'il est au contraire opportun

D'en faire bénéficier chacun."

(bis)