C'était un village oublié dans le nombril de l'Inde, 

le Madhya Pradesh.

A la saison sèche, il y fait une chaleur d'enfer.

Aujourd'hui, on y trouve des hôtels, des restaurants, des parcs ombragés, un aéroport, des touristes et des boutiques de souvenirs.

Comme partout en Inde, quand on se promène dans ses vieux quartiers, la couleur est omniprésente.

Comme partout dans l'Inde rurale, les vaches déambulent en liberté et, comme elles sont d'un naturel curieux, elles ne dédaignent pas de jeter un cil dans les échoppes des marchands.

Mais ce qui a fait que ce lieu est devenu une étape incontournable des circuits touristiques et s'est retrouvé inscrit par l'Unesco au patrimoine mondial de l'humanité, est la redécouverte en 1840 d'un extraordinaire ensemble de temples noyés dans la végétation et a demi détruits, datant des IXème et Xème siècles, du temps de la dynastie éclairée et tolérante des Chandella.

Ces temples, -il en reste une vingtaine alors qu'ils devaient être plus de quatre vingt à l'origine -hindouistes, bouddhistes et jaïn, présentent la particularité, qui choqua beaucoup les premiers découvreurs, d'être un hymne à l'amour charnel.

La plupart d'entre eux sont recouverts, à l'extérieur et parfois même à l'intérieur, d'un foisonnement de figures gracieuses, couples enlacés, personnages idéalisés, scènes amoureuses, jeunes femmes sensuelles tenant délicatement un miroir ou se teignant, dans un geste exquis, la plante du pied, mais aussi scènes de batailles, danses, luttes d'animaux, activités quotidiennes, êtres fantastiques.

Pas de surface qui ne soit ornée, sans pour autant nuire aux lignes générales des ouvrages.

Si l'acte sexuel est souvent représenté de façon suggestive, parfois donnant lieu à des positions qui laisseraient perplexe le plus athlétique adepte du Kâmasûtra, les sculptures, dans leur ensemble sont d'une saisissante beauté. 

Car c'est bien d'une divinisation de l'érotisme qu'il s'agit. La plénitude des corps, l'exaltation des formes féminines, les déhanchements voluptueux, les étreintes,  ne sont là que pour rappeler aux humains la beauté des énergies divines. L'union de tous ces dieux et de tous ces êtres célestes symbolise l'union mystique à l'âme universelle.

Toutes ces sculptures en haut-relief ou en ronde-bosse si habilement disposées par leurs créateurs et qui ceinturent les temples de tous côtés, reflètent l'infinie variété des formes de vie.

Contrairement à certains touristes qui ne sont attirés que par l'aspect érotique des sculptures, les fidèles indiens continuent d'honorer les dieux et les déesses  qui leur montrent la voie vers l'accomplissement de toute vie, 

Vêtues de leurs plus chatoyants saris, les femmes, en majorité, tournent autour des sanctuaires dans le sens de la marche du soleil. Elles déposent des offrandes de fleurs dans les niches des divinités et répandent sur le sol des pétales et de l'eau parfumée.

Les souriantes sculptures continuent de veiller avec bienveillance sur le devenir des humains. 

Elles ont eu la chance de parvenir jusqu'à nous, échappant aux guerres et aux fanatismes religieux qui ont causé tant d'irréparables dommages à travers le monde.

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Alors qu'à la Grande Halle de La Villette le collectif teamLab surprenait et enchantait le visiteur avec le spectacle 'Au-delà des limites', objet de mon précédent article, l'hôtel Salomon de Rothschild le plongeait dans 10000 ans d'esthétique japonaise avec la très belle exposition 'Fukami', voyage initiatique dans l'histoire de l'art du Japon, occasion d'un dialogue inédit avec des œuvres de Gauguin ou Picasso et d'une approche de cet art si différent des conceptions occidentales où l'on parle d 'humidité de l'âme' et de 'dialectique du flottement'.

Un éventail audacieux de créations diverses, toutes époques confondues, donnait lieu à des confrontations saisissantes, telle une robe sculptée contemporaine reprenant des motifs de la céramique Jômon (2000-3000 avant JC) ou une oeuvre minimaliste de Lee Ufan contrastant avec le somptueux décor XVIIIème de ce superbe hôtel particulier.

Les photographies n'étant que partiellement autorisées lors de la visite, la frustration du chasseur d'images faisait place à l'excitation  en découvrant dans l'immense salle du sous-sol de l'hôtel une stupéfiante installation du sculpteur Kohei Nawa intitulée 'Foam', un nuage de mousse éclairé de bleu s'élevant jusqu'à 4 mètres de haut !

Métamorphose, philosophie de la légèreté, expérience temporelle, esthétique de la transformation, sont les concepts à l'origine de cette création. 

Sous l'effet d'un produit tensioactif, les bulles s'attirent entre elles et de leur fusion naît un paysage en constante évolution, évoquant à s'y méprendre une nébulosité atmosphérique. Le 'nuage' ainsi créé se meut lentement, grossit, se modifie au fur et à mesure de l'apparition des bulles. La pesanteur et la pression de l'air font qu'un fragile équilibre maintient la masse mousseuse en suspens entre apparition et disparition assurée par un processus chimique sur le pourtour de l'installation.   

Une oeuvre vivante en perpétuelle mutation, évocatrice de la fuite inexorable du temps, illustration de cet univers  flottant si caractéristique de l'art extrême-oriental.

Une réalisation troublante, onirique, où le visiteur qui s'y plonge découvre des paysages d'une éphémère et fascinante beauté. Une expérience qui ne le laissera pas indifférent.

(photos de l'auteur)

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Des petits riens.

Moments suspendus.

Visions fugaces.

Les petites vagues qui viennent mourir sur le sable.

Un banc solitaire qui contemple la mer.

Un souffle d'air qui fait danser les feuillages.

Le chant des cigales dans la torpeur de l'été.

Le balancement des fleurs sous la brise.

Des reflets improbables dans le miroir d'une fontaine.

Le lent défilement des nuages avant la pluie.

L'étrange ballet des gouttes d'eau sous l'averse.

Les jeux de l'écume et des rochers.

La mort annoncée du soleil derrière l'horizon.

Un bateau qui glisse au loin dans la nuit.

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Il a illustré tant de poètes.

Ses œuvres elles-mêmes sont des poèmes.

On a parfois parlé à leur sujet d'abstraction lyrique.

Zao Wou-Ki invite le spectateur à s'immerger dans ses toiles,

à se laisser porter, à méditer, à s'y perdre.

Peu d’œuvres ont un nom, juste des dates.

L'une d'entre elles pourtant résume bien le propos :

'Traversée des Apparences'

Pas moyen de se raccrocher au réel.

On laisse flotter son imagination, on s'évade, on rêve.

Pour ma part, ses toiles, les bleues surtout,

me poussent vers de lointains rivages.

Son pinceau se fait houle, se fait ressac.

Les mille gouttelettes de peinture sont autant d'explosions d'écume

quand la mer vient se briser sur les rochers. 

Le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris présente actuellement et jusqu'au 6 Janvier 2019 une exposition consacrée aux grands formats de l'artiste :

'l'Espace est silence'

reprenant l'expression que son ami le poète Henri Michaux employa au sujet de son œuvre.

La vidéo qui suit est le fruit d'une visite de cette très belle exposition.

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Tout a été dit concernant l'oeuvre maîtresse de l’immense artiste qu'a été Claude Monet et il serait à la fois présomptueux et inconvenant de risquer un commentaire à propos d'un monument de l'art sur lequel se sont penchés tant d'éminents spécialistes.    

Contempler les quelques 250 toiles que le Maître a consacrées aux nymphéas de son cher étang de Giverny, certaines étant de proportions gigantesques, reviendrait à effectuer plusieurs fois le tour du monde, tant elles sont dispersées dans les plus prestigieux musées aux quatre coins de la planète.

Et pourtant, la reconnaissance de ces chefs-d'oeuvre est venue tardivement, le public, à la sortie du carnage de la Première Guerre Mondiale, boudant  ces immenses tableaux qui n'étaient plus au goût du jour, les considérant plutôt comme le testament d'un peintre vieillissant.

La grande rotonde du Musée de l'Orangerie aménagée tout spécialement pour abriter les éléments de cette énorme peinture panoramique devant laquelle les touristes d'aujourd'hui, au coude à coude, parlent toutes les langues de la terre, n'était-t-elle pas considérée alors comme une espèce de mausolée funéraire.

C'est ce même Musée de l'Orangerie qui présente actuellement une remarquable confrontation entre les vénérables Nymphéas et les pionniers de l'abstraction américaine que sont les Jackson Pollock, Mark Rothko, Barnett Newman, Morris Louis, Clyfford Still, Sam Francis ou Joan Mitchell.

Car ce sont tous ces artistes qui, fascinés par les dernières œuvres du Maître, pratiquement aveugle sur la fin de sa vie, ont vu dans les fulgurances colorées de son corps-à-corps avec la toile les prémices de ce qui allait devenir la révolution de l'expressionnisme abstrait.

Ce que l'on remarque bien vite lorsqu'on est confronté au majestueux spectacle de ces immenses tableaux illustrant la tranquille beauté d'un étang au fil des saisons, c'est le contraste entre l'impression initiale de sérénité figée, un peu comme un joli décor champêtre, que l'on peut ressentir en contemplant l'oeuvre à distance, et la violence presque agressive qui vous assaille si vous approchez de la toile et vous trouvez confronté à ces  coups de brosse rageurs, à ces coulées de substance aux couleurs crues et aux contours esquissés.

Ceci est particulièrement marquant dans les toutes dernières œuvres, le 'Pont Japonais' notamment, où l'incandescence colorée annonce l'énergie exubérante d'un Jackson Pollock ou les bouillonnements d'un Willem De Kooning.

Le montage vidéo qui suit essaie modestement d'illustrer ce contraste.

Monet, à la fin de sa vie, atteint d'une cécité quasi totale, et qui ne distinguait plus son bucolique environnement qu'à travers un brouillard déformant, avait-t-il conscience que sa lutte éperdue avec une réalité qui le fuyait ouvrait la voie à toute une génération d'artistes d'outre Atlantique qui allait bientôt révolutionner le monde de la Peinture.

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